Reseña: Monomania - Deerhunter (2013)

Vuelve Deerhunter. Aunque con la cantidad de cosas que sacan siempre sus miembros en solitario parece que nunca se tomen un descanso. Nos contaba Lockett Pundt en la entrevista que le hicimos en noviembre que Bradford Cox, de hecho, “escribe demasiado” y que la banda ya tenía material inédito para “uno, dos o tres álbumes”. Con250 canciones escritas para ‘Monomania’, seguramente tengan para más. Pero por el momento el sucesor del extraordinario ‘Halcyon Digest’ ofrece doce temas nuevos y la pregunta es clara: ¿es ‘Monomania’, también, una obra maestra?

Es importante apuntar, en primer lugar, que el quinto largo de Deerhunter viene acompañado de nueva formación. Continúan Bradford Cox, Lockett Pundt y Moses Archuleta pero se les suma el guitarrista de Lotus Plaza Frankie Broyles y Josh McKay sustituye a Josh Fauver en el bajo. Deerhunter son por lo tanto una banda distinta en 2013 y ‘Monomania’, producido por el habitual Nicolas Vernher, es asimismo un trabajo que difiere en lo que Deerhunter han venido haciendo últimamente. Definido por Cox como un disco de “garage nocturno”, ‘Monomania’ rompe con el idiosincrático onirismo del grupo en favor de un discurso considerablemente más lo-fi, directo y sucio.

Y es que Deerhunter citan entre las grandes influencias de ‘Monomania’ a los Ramones, aunque también a Pierre Schaeffer, Steve Reich (!) o Bo Diddley, “pese a que no hay ni una pizca de Bo Diddley en todo el disco”. Sí que hay mucho de los Ramones en la última actuación de la banda en el programa de Jimmy Fallon, aquella que ha enfadado a tanta gente, pero el espíritu punk que posee a la banda en los minutos finales del tema titular, completamente apoteósicos, se limitan en ‘Monomania’ a un uso, más cuidadoso de lo que parece, de la distorsión en las guitarras y los micrófonos. ‘Leather Jacket II’, con un riff que triunfará en los directos, la dulce ‘T.H.M.’ y el nostálgico cierre ‘Punk (La Vie Antérieure)’ son estupendos ejemplos de ello.

Porque las canciones, en realidad, siguen siendo puro Deerhunter. Pundt aporta su indispensable toque de magia dream pop en ‘The Missing’ y en ‘Neon Junkyard’ la banda vuelve a homenajear a la americana con estupendos resultados. También sigue habiendo algo de los Pixies en ‘Blue Agent’ (desde luego no de lo mejor que han hecho) y algo de Sonic Youth en la furia garage de ‘Monomania’, además de mucho de la Velvet o de Pavement, en general, tanto en las melodías como en las guitarras. La gran canción del álbum es ‘Sleepwalking’, que nos trae de nuevo a ese Cox solitario (“cuando te pasas una década buscando / algo que la vida nunca te traerá / algo empieza a callar en el interior / de mi cuerpo y mi cansada mente”) que en ‘Monomania’ ahoga sus frustraciones en su obsesión particular de crear música continuamente.

Hay algo en ‘Monomania’, sin embargo, que diferencia de manera significativa este disco del resto de álbumes de la banda. Por primera vez en su historia el grupo publica un disco cuya secuenciación no resulta esencial en la experiencia del mismo. Por supuesto no parece casual que tras la tempestad de ‘Monomania’ venga una canción tan calmada como la conmovedora canción acústica ‘Nitebike’, que no podría ser más Cox; pero en conjunto este no es un trabajo que deba ser saboreado de principio a fin como sí lo era ‘Microcastle’. ‘Monomania’, esta vez, no es más que una sencilla colección de canciones, y a consecuencia de ello, parte de la magia de la banda se ha perdido.

¿Es el sucesor de ‘Halcyon Digest’, pues, una gran obra a la altura de las obras maestras de Deerhunter? Definitivamente tanto la calidad de algunas canciones, buenas pero no espléndidas (‘Blue Agent’, ‘Pensacola’, ‘Dream Captain’), como la falta de esa consistencia que convertía sus trabajos previos en viajes emocionales, inclinan la balanza hacia el no. Pero ‘Monomania’ sigue siendo un disco de Deerhunter, lleno de grandes “growers” que vuelven a convencernos del porqué de la posición privilegiada del grupo en el ámbito del rock independiente actual.

Articulo original por JB

Redireccionado de: http://jenesaispop.com/2013/04/29/deerhunter-monomania/

Técnicas Vintage para Grabar Baterías

One Mike? Done

Starting with the simplest setup possible, it doesn’t get much easier than a one-mike operation. Although sonically limiting and leaving a little something to be desired, the one-mike strategy can be just what the doctor ordered, if given the right drummer and the right song. Ribbon and condenser microphones are the best candidates for the leading role in this one-mike show, with condensers typically being more sensitive to higher frequencies (this can be both good and bad, as they are brighter, but can also be on the brittle side).

The three best locations for this rather important piece are as a room mike, a drummer’s perspective mike, and a front-of-kit mike. The room position (a minimum of 10' from the kit) has the most ambience and sounds farthest away. The front-of-kit (approximately 2' back from the kick and 4' up), meanwhile, is the punchiest. But the drummer’s-perspective position might just be the most realistic. This author’s personal favorite is the front-of-kit position because it captures everything, especially a strong kick (much stronger than the drummer’s perspective).

Also keep in mind that the one-mike method is married to a certain natural, harmonically chaotic vibe. Because this isn’t a pristine controlled recording situation (it’s the exact opposite of the close-miked Steely Dan tones), it’s only recommended for folks that can go with the flow and embrace the dirt.

Two Timing

Because most entry-level audio interfaces come with only two XLR inputs, learning to milk two mikes is a very valuable money-saving skill. Looking at it as an efficient means of making a mountain out of an audio molehill, and not a limitation, a second mike with its own separate track can really add just enough sonic control to salt a mix and bring out some real flavor. The two main positioning strategies to maximizing auditory potential are either with both microphones as distant-mikes, or with one as a distant-mike and the other as a close-mike. Both can sound great, but there’s an interesting balance of power between the two methods. With two distant mikes, it’s possible to get more of a stereo image of the kit. With one distant and one close-mike, stereo imaging is stymied, but there’s more control over the tone of a specific drum. Here are two excellent means to recording with only a pair of microphones

Drumming Strategies

Getting a good drum mix isn’t only up to the engineer, as the drummer plays an even more critical role. The less microphones used puts that much more responsibility on a solid, balanced drum take, as it’s less possible to polish an erratic and disjointed performance with studio magic. Wimpy snare cracks and pussyfooting tom rolls combined with overbearing trashy cymbals can be the death of the backbeat, and a minimalist setup can’t resuscitate that kind of issue. Sensitivity and awareness are key, and drummers that learn to mix by playing have plenty more work in their future, so set up some mikes, mix from the sticks, and give the faders a rest.

*Artículo original por Jake Wood
Redireccionado de: http://www.drummagazine.com/plugged-in/post/minimalist-drum-miking-techniques/

7 Formas de Crear Relaciones en la Industria Musical

We all know that “who you know” and “being in the right place at the right time” play an important role in attaining success as an artist. What we often forget, though, is that we’re the ones responsible for building those connections.

Whilst researching the intricacies of how successful people network for my book last year, my co-writer Rob and I noticed that for two people to meet, they must go through a 3-stage process.

First of all, they must be aligned in the same space at the same time, either geographically (e.g. in the same room) or virtually (e.g. on Twitter). Secondly, they must connect through some form of introduction, and finally they must engage in deeper conversation to create a long-term relationship.

In this post I want to focus on those first two points, and share with you seven tips to help you meet more music business contacts.

Tip 1) Know who you want to meet but remain open to meeting others

The first step to meeting more of the right people is knowing who you’re trying to meet. Are you looking to meet publishers, record label managers, or music venue promoters?

When you know who it is you’re trying to meet, you can start to think about where they spend their time (both virtually, and geographically), and what opportunities exist for you to be in the right place and time to meet them. If, for example, your band could really do with a more gigs in New York City, you can begin to identify the places where New York venue promoters hang out online and in the real world.

That said, never be afraid to go off course and meet people who may not seem to bear obvious opportunity right now. They might be of great use to you in the future.

“Build your network before you need it”

– Keith Ferrazzi, author of Never Eat Alone

Tip 2) Make an effort to meet other bands & ask for introductions

Let’s say that you did want to meet music venue promoters in New York City. In my experience, one of the best ways to meet venue promoters is to simply turn up to music venues and ask the bands performing to introduce you to the promoter. You may have to prearrange meeting up with the performers before their set, but this approach is incredibly effective as it differs to how most bands approach venue promoters, and the introduction from the performer acts as a recommendation.

If you went to two or three gigs a week you’d be surprised at how quickly you could fill up your gig calendar.

Tip 3) Attend music business conferences

When I’ve attended music business conferences in the past, I’ve been surprised by how few bands choose to attend. Sure, the entry fees are generally quite steep, but if you take into account the fact that these events are usually swarming with label managers, publishers, and music promotion companies, it’s almost certainly worth the investment if you’re willing to get out and build those connections.

Tip 4) Join local music business Meetups

If you’re not already using Meetup.com to build connections, I thoroughly recommend giving it a shot. In most major cities you’ll find various musician Meetups that offer great networking opportunities. If you can’t find anything nearby, consider creating a music industry Meetup in your area and inviting local music companies to come and share ideas over a coffee or beer. If you’re based in New York City why not invite OneRPM, Cyber PR, MicControl, Jango Airplay, and many others out?

Tip 5) Use Twitter to break the ice

Twitter is one of the most efficient and effective ways to break the ice with music business professionals. Almost every serious record label, booking agent, and music companies will have a presence on Twitter, so it’s a great platform to start building these relationships.

I recommend familiarizing yourself with the advanced search operators on search.twitter.com (such as the one in the image above) and creating separate lists to keep track of which companies you’re trying to meet.

Tip 6) Show your gratitude

This may seem like a slightly strange tip, but bear with me. If you pick a music company, radio station, music blog, or website that you enjoy once a day and send them a quick email to say thanks for doing what they do, you will build contacts very quickly.

“Feeling gratitude and not expressing it is like wrapping a present and not giving it” - William Arthur Ward

In the music business, selfless gratitude is rare. When I receive an email from an artist thanking me for writing my blog posts, for some reason I’m far more compelled to respond and listen to their music, than if they had just emailed me a link to check out their music.

Tip 7) Build 3 new contacts a week

I have to give Derek Sivers full credit for this last tip. Set yourself a goal of building three new music business connections a week, and in twelve months time you’ll know 156 new people in the music business! Using all of the tips in this post, see if you can go and build three new music business contacts this week – if we’re not already connected, drop me an email (marcus@themusiciansguide.co.uk) and tell me what you’re working on or what you need help with and I’ll do my best to help out.

Artículo original por Marcus Taylor.

Redireccionado de: http://www.themusicvoid.com/2012/08/7-ways-to-build-music-business-contacts/

Historia del Jazz Afrocubano

Terminada la esclavitud en Cuba, en 1886, muchos negros se trasladaron a Nueva Orleans. Esto produjo una transculturación, un intercambio, que en lo musical, implicó instrumentos musicales y géneros. Muchas bandas de Nueva Orleans iban a La Habana a tocar marchas en el día y en las noches se iban a los bares a tocar libremente, donde compartían con músicos cubanos. Viceversa, los músicos cubanos que visitaban Nueva Orleans iban a bares en las noches a tocar rumba guaguancó y se empezó a forjar una interrelación de influencia y retroalimentación.

Desde principios del siglo XX los elementos latinos fueron tomados por compositores para algunas canciones y, además, se adaptaron temas latinos al jazz, como algunos tangos y rumbas. Sin embargo, el nacimiento del latin jazz lo marcaría un hombre: Mario Bauzá. El punto de partida es el Jazz Afrocubano.

Antes de Bauzá, personajes como Juan Tizol, un portorriqueño que formaba parte de la banda de Duke Ellington como trombonista y compositor del standard "Caravan"; Alberto Socarras, flautista cubano; Augusto Coen, trompetista de la banda de Duke Ellington, padre de Ray Coen, figura del latin jazz; y Alberto Iznaga, violinista cubano hicieron pequeños pero significativos aportes al nacimiento del latin jazz.

En 1941, Bauzá comenzó a dirigir la orquesta de Machito y sus Afro-Cubans. Un día, en una pausa durante una presentación, el pianista empezó a improvisar un ostinato y sobre eso algunos de los músicos empezaron a improvisar. Bauzá escuchó esto y en el siguiente ensayo pidió al pianista que vuelva a tocar el ostinato y empezó a armar sobre ello al resto de instrumentos, a modo de experimento. De esta forma surgió "Tanga", que, por accidente, originó el Jazz Afrocubano. A partir de este punto, Bauzá decide impulsar la fusión que logró con "Tanga", incorporando músicos norteamericanos. Poco a poco comprendería que no bastaba poner un percusionista en un ensamble de jazz, así que empezó a trabajar con las incorporaciones rítmicas y, por ejemplo, introdujo bajistas que dominaban tanto el jazz como la música latina. Se llegó al formato clásico de big band, pero la batería se reemplazó por timbales, congas, bongós, campana y maracas. El "shuffle" fue siendo reemplazado por la síncopa latina

Bauzá presentó a Chano Pozo a Dizzy Gillespie. Ambos hicieron una presentación y una producción discográfica juntos que tuvo gran éxito: el concierto en el Carnegie Hall de Nueva York. Así nace el Cubop y otro himno del Jazz afrocubano: Manteca. Esta explosión atraería a otros músicos a hacer los mismo y es aquí que James Moody, Tito Puente, Chico O'Farrill y Stan Kenton continuaron trabajando el ritmo y la estructura de la música afrocubana ejempkificada por Machito. Las instrumentaciones de la música latina se empezaron a acercar a las del jazz, incorporando el saxofón con nuevas sonoridades.

Hacia los 60's, dos factores marcaron un declive en el jazz afrocubano:por un lado el rock tomó mucha fuerza y, por otro, la revolución cubana detuvo el intercambio cubano-norteamericano. Es en el 72 que el jazz afrocubano logra un nuevo impulso gracias a la banda Irakere. Esta banda nace como una división de la Orquesta Cubana de Música Moderna, que se aburrieron de tocar siempre lo mismo y tan comercial, que decidieron optar por algo más experimental. De aquí saldrían músicos como Paquito D'Rivera, Arturo Sandoval y José Luis Cortez.